domingo, 31 de diciembre de 2023

¿Cuál es la conexión entre la música y el amor?

¿Cuál es la conexión entre la música y el amor?

"Si la música es el alimento del amor, ¡sigue tocando!" Con estas palabras iniciales de Twelfth Night, Shakespeare capturó un vínculo esencial entre dos cosas sin las cuales ningún ser humano debería tener que prescindir, pero, al menos en el caso de la última, muchas personas lamentablemente a menudo tienen que prescindir. Nietzsche observó una vez que, sin música, la vida no tendría sentido y la mayoría de las personas suelen estar de acuerdo. La pregunta es: ¿Por qué? ¿Qué tiene la música, entre las artes, que la hace tan indispensable para los humanos? Tanto es así, que incluso aquellos que no son amados pueden encontrar consuelo en la música.

Poca gente no debe estar de acuerdo con la afirmación de que la música es importante en sus vidas y, por supuesto, la música abarca muchos géneros y estilos diferentes. Algunas personas aman el heavy metal, o quizás el grunge, a otras les gusta el jazz y el blues, o quizás algo “alternativo”. Otros todavía se aferran a sus "clásicos de oro", o al nuevo reggaeton y trap, mientras que un número sorprendentemente grande de personas siguen siendo aficionados a la "música clásica". Pero ya sea que tu gusto sea católico, abarcando un amplio espectro de géneros musicales, o se concentre en el campo del pop o en el de la música seria, algún tipo de música seguramente atraerá a tu gusto.

Dentro de los tipos de música que uno ama, también seguramente cada uno tendrá sus piezas o canciones favoritas. Un aficionado a la música clásica puede, por ejemplo, defender enérgicamente la afirmación de que Beethoven, o Mozart, es el compositor más grande que jamás haya existido, ¡como si hubiera una manera de determinar esto!

A mucha gente le gusta la música en un amplio espectro, pero en ciertos momentos se inclinan por un género musical o por otro.

Dos pensadores contemporáneos, que dan pistas para la respuesta a mi pregunta inicial, por qué la música es indispensable para las personas, son Heidegger y Adorno. Este último consideró la naturaleza transitoria de la música como una instancia de su vínculo íntimo con la temporalidad misma. En este sentido, Susan Buck-Morss (en su maravilloso libro sobre Adorno y la Escuela de Frankfurt de 1979 - El origen de la dialéctica negativa) observa la aguda conciencia histórica de Adorno:

“La música, que a menudo se ha llamado la más abstracta de las artes, es en el sentido histórico la más concreta. Porque ningún arte se relaciona más integralmente con la dimensión del tiempo. La composición es en sí misma historia: el sentido de cada nota transitoria determina y está determinado por lo que ha sido y lo que vendrá. El sonido musical se despliega en un presente continuo y transitorio ”.

También la vida humana “se desarrolla en un presente continuo y transitorio”. A la luz de esto, mi primera respuesta a la pregunta sobre el atractivo interminable de la música para las personas sería que es precisamente su encarnación del ritmo del tiempo, su reflujo y su flujo, por así decirlo, lo que nos habla con tanta fuerza. En esto, es una metonimia de la vida misma, que consiste ineludiblemente en alternancias rítmicas entre nacimiento, crecimiento, decadencia y muerte. Por lo tanto, la atracción que uno siente por la música probablemente se deriva de una conciencia intuitiva de que, al escucharla o bailar con ella, uno se está uniendo a la fuente de la vida. Y en cada paso del camino, la vida invita a ser más de lo que ha sido, a superar

etapas previas del desarrollo de uno como individuo y, al esforzarse por trascenderlas, dar sentido a su vida. El propio Adorno lo expresa de esta manera (en el libro de Buck-Morss):

“La música, como arte temporal, está ligada por su propio medio a la forma de sucesión y, por lo tanto, es tan irreversible como el tiempo. Una vez que comienza, está obligado a ir más allá, a convertirse en algo nuevo, a desarrollarse ”.

Uno de los predecesores de Adorno y Heidegger, Schopenhauer, afirmó que es la voluntad ciega e irracional, y no la razón, como diría la filosofía tradicional, la que opera y explica todo, desde la caída de los cuerpos hasta la naturaleza irreprimible de la vida, incluido el sexo y la naturaleza. el amor, e incluso las artes. Entre todas las formas de arte, es la música, según Schopenhauer, la que encarna la voluntad de vivir directamente, en lugar de indirectamente a través de alguna idea, como en las otras artes. En términos metafísicos confirma lo que dice Adorno sin recurrir a la metafísica.

Volviendo a Heidegger, uno encuentra una indicación irresistible de la fuente del magnetismo ejercido sobre los humanos por la música, una que se encuentra en los mismos humanos. Entre lo que Heidegger (en Ser y tiempo) enumera como los rasgos ontológicos fundamentales del ser humano, o lo que él llama Dasein ("estar allí"; "existir"), se encuentra Befindlichkeit, traducido como "estado de ánimo" o, para mi mente mejor, como "sintonía", que es una metáfora musical apropiada para lo que Heidegger parece tener en mente aquí. Lo que él quiere decir parece ser el curioso estado de cosas, que cualquier persona invariablemente "se encuentra" en un estado de ánimo o estado afectivo u otro, como ecuanimidad o calma, excitación, ira, irritabilidad, miedo o ansiedad. Y la razón de esto es que los seres humanos son ineludiblemente siempre receptivos a cualquier cosa en su mundo que los "afecte", ya sean buenas noticias, malas noticias, una amenaza o una promesa. Y lo que "afecta" a uno, modifica el "estado mental" fundamental (la capacidad de tener un estado de ánimo de algún tipo) en un estado de ánimo reconocible.

Esto, creo, explica por qué nosotros, como humanos, somos susceptibles a la capacidad de la música de afectar el alma. No es casualidad que la música pueda estar compuesta en tonalidad mayor o menor; esta última "sintoniza" (o tal vez "melodías") la mente de uno de manera diferente, invariablemente de una manera relativamente melancólica, en comparación con la música en clave mayor. Y los diferentes instrumentos también afectan a uno de diferentes maneras; para mí, ningún instrumento puede igualar la sensación de melancolía que emana de un violonchelo (especialmente cuando lo toca Yo-Yo Ma) o, en el caso de algunos conciertos, un violín. Lo mismo ocurre con (el timbre de) las voces: hay ciertas arias operísticas que nadie puede cantar con tanta emoción como lo hace Maria Callas, mientras que Sutherland, por ejemplo, hace otras de manera más convincente. ¿Y es un accidente que la gran mayoría de las canciones, tanto las populares como las "serias", sean canciones de amor? Yo creo que no. La música resuena con la sintonía humana o el "estado de ánimo" porque requiere que los oyentes, al igual que una persona requiere que un "otro", tal vez un "otro significativo", se sienta complementado, "completado", aunque de manera intermitente en lugar de concluyente. De hecho, parece que, paradójicamente, uno fracasa persistentemente en la búsqueda de "encontrarse a sí mismo" a menos que encuentre "otro" en el acto del amor, tan bellamente demostrado en la película Como está en el cielo (una película en la que la música es fundamental para la narrativa).

Por lo tanto, si alguien me preguntara cuál es la conexión entre la música y el amor, una forma posible de responder es decir que, una vez que uno ha descubierto la música que atrae a dos amantes, es decir, por la que uno comparte un amor con alguien. amas, tarde o temprano te das cuenta de que, a través de la música, es como si uno tocara el alma de su amante, por así decirlo. Esto puede suceder cuando están bailando juntos una canción o melodía que ambos aman, o simplemente escuchándola juntos. Pero si es cierto que una forma de concebir una existencia significativa es decir que requiere que alguien, en algún lugar, te haya "encontrado" en un sentido profundo, que conozca tu nombre "real" y más secreto, agregaría que esto sucede a menudo a través de un amor compartido por música específica. Después de aceptar una invitación para asistir a un "musical" en el que tuve un papel de cantante hace años - El príncipe estudiante de Romberg - un viejo amigo mío se emocionó al comentar que él creía que el primer verso del Evangelio según Juan debería reescribirse en leer: "En el principio era la música, y la música era con Dios, y la música era Dios". Hoy creo que finalmente entiendo por qué pensaba eso.

domingo, 26 de noviembre de 2023

Michael Jackson y su álbum Dangerous

Un 26 de noviembre como hoy, pero de 1991 se lanza el álbum de Michael Jackson llamado Dangerous. Conoce por qué 1991 sigue siendo un año inolvidable en la historia de la música en nuestro blog.

Michael Jackson y su álbum Dangerous

Michael Jackson y su álbum Dangerous

Dangerous es el octavo álbum de estudio del cantante estadounidense Michael Jackson, publicado el 26 de noviembre de 1991. Es el primer álbum tras el reinado de Quincy Jones como productor de Michael Jackson. Después de Quincy Jones, quedó fuera el interés por la melodía: Michael Jackson se centró en el ritmo. De ahí los potentes sonidos que podemos escuchar en Dangerous. Para la creación del disco Jackson contó con la colaboración de Teddy Riley, Heavy D., Bill Bottrell y Bruce Swedien. Es un disco con material completamente inédito; no solo cuenta con una lista de temas variada, también con una portada del pintor Mark Ryden que generó mucha controversia. El álbum produjo números uno como «Black or White», «Remember the Time», «Jam» y otros sencillos como «Will You Be There», de la película Free Willy, y «Who Is It». Ha vendido 32 millones de copias en el mundo, lo que lo convierte en uno de los más vendidos de la historia. Dangerous es considerado el álbum más personal del cantante porque en él, pues se expresa con mayor libertad creativa. Entre los géneros musicales se encuentra el hard rock («Black or White» y «Give In to Me»); soul o funk que se fusiona con dance o hip hop (fusión llamada new jack swing) en canciones como «Remember the Time», «Jam», «Dangerous», y el góspel en «Will You Be There» o «Keep the Faith». En «Black or White» solicitó la participación del guitarrista de Guns N' Roses, Slash, para darle una línea más agresiva, además cuenta con la participación de Tim Pierce en la guitarra heavy metal; y el resultado es una mezcla de hard rock, dance y rap. Todo esto fue respaldado por su videoclip, que fue dirigido por John Landis, el mismo de Thriller, y que contó con un cameo del actor Macaulay Culkin. Siguiendo la misma línea, en el vídeo de «Remember the Time» apareció con la modelo Iman, esposa de David Bowie en ese entonces, el actor Eddie Murphy y el jugador de baloncesto Magic Johnson. En «In the Closet», el cantante se muestra más sensual, alternando aquí con la modelo Naomi Campbell, y en «Jam» con el basquetbolista Michael Jordan.

viernes, 20 de octubre de 2023

La vida de Chester Bennington de banda en banda hasta ingresar a Linkin Park

La vida de Chester de banda en banda hasta ingresar a LINKIN PARK, resumido en 35 puntos. Si eres fan de Linkin Park, no te pierdas la broma de Linkin Park a Metallica, una anécdota increíble entre los grandes de la música.

La vida de Chester Bennington de banda en banda hasta ingresar a Linkin Park

La vida de Chester Bennington de banda en banda hasta ingresar a Linkin Park

1). Un chico llamado Sean Dowdell que no pasaba los 18 años, una vez planeó una audición en una escuela de Phoenix para formar una banda. Allí conocieron a Chester y finalmente quedó él 

2). Chester estuvo en una banda por primera vez en 1992, llamada "Sean Dowdell and His Friends?", donde audicionaron muchos jóvenes, pero finalmente quedó Chester. Juntos lanzaron un "demo cassette" en ese mismo año

3). Esto se desconoce, pero se estima que la banda logró hacer más de 40 shows locales

4). Tiempo despues, Chester fue despedido porque siempre llegaba tarde a los ensayos

5). La banda "Sean Dowdell and His Friends?" se disolvió 

6). Tiempo despues, Sean Dowdell conoció a un guitarrista llamado Steve, con quien junto a un conocido de su hermano, planeaban formar una banda pero primeramente hacer una audición 

7). Steve escuchó la cinta de cuando eran "Sean Dowdell and His Friends?" y solicitó llamar a Chester 

8). Chester sin dudarlo aceptó y volvió a unirse a Sean Dowdell para formar parte de una nueva banda llamada "Grey Daze"

9). Chester con Grey Daze lanzó 2 álbumes y lograron ser teloneros para ciento de bandas locales

10.) Grey Daze tuvo un "abogado de entretenimiento" llamado Scott Harrington, quien se volvió amigo de Chester

11). Chester abandonó Grey Daze en 1998 debido a que la banda no progresaba mucho. Muy poco interés nacional e internacional. A pesar de esto, la amistad Chester Scott continuaba 

12). A pesar de que Chester que ya no estaba cantando, en el transcurso de todo ese tiempo trabajó en restaurantes y cafeterías

13). Scott era amigo de un tipo llamado Danny Hayes. Hayes le mencionó a Scott que conocía una banda llamada XERO que busca vocalista

14). Scott recomendó a Chester

15). Scott llamó al gerente de Grey Daze para buscar la forma de acercarse a Chester pero para otro proyecto

16). Chester tenía pensado dejar por completo la música 

17). Chester recibió el llamado de Scott sobre una banda que "podría llegar lejos"

18). XERO y Chester no se conocían en lo más mínimo, haciendo pensar a Chester que sería una pérdida de tiempo conocer a esa banda por ser un grupo de adolescentes

19). Chester en ese tiempo trabajaba en una casa de tecnología y servicios digitales 

20). Scott le insistió a Chester en que escuchara a esa banda. Chester sin opción, recibió las cintas con instrumentales y otras con voces

21). En esas cintas estaban Pictureboard, Rhinestone (Forgotten) y Esaul (A Place For My Head)

22). En esas cintas, a Chester le impresionó el rap de un tipo llamado Mike Shinoda

23). Se sabe que Chester practicó esas canciones con ayuda (de una banda llamado Size 5) y hasta se grabó, pero es inédito 

24). Chester dejó pasar su día y fiesta de cumpleaños por grabar esas demostraciones 

25). Jeff Blue (historia aparte), recibió el llamado de Chester diciendo que ya tenía las demos. Jeff no creyó que Chester hiciera todo tan rápido

26). Chester le hizo escuchar a Jeff las cintas con su voz vía teléfono, ya que Jeff le dijo que se lo enviara por correo

27). A pesar de que Chester tenía trabajo en ese entonces, su jefe le dijo que podía volver al trabajo si no tenia éxito con la banda a la que iba a probarse

28). Chester viajó a Los Angeles, donde prácticamente no conseguía hogar y dormía en su auto

29). Cabe mencionar que XERO buscaba cantantes durante meses a pesar de que aún tenían como vocalista a Mark Wakefield

30). Cuando Chester y XERO se conocieron, Chester entregó personalmente las cintas de demostración con sus voces grabadas

31). XERO no concretó nada ese mismo día ya que estaban todos en una audición buscando vocalista 

32). Una vez Chester dentro en 1999, pasaron a llamarse Hybrid Theory por sugerencia del DJ de la banda, Joe Hahn 

33). La banda tuvo varios procesos de nombres, entre los que estaban "Clear", "Probing Lagers" y "Platinum Lotus Foundation"

34). Chester sugirió ser "Lincoln Park", pero para eso debían adquirir el dominio, dominio que ya estaba ocupado y costaba mucho dinero adquirirlo 

35). Finalmente, hubo un cambio de letras y pasaron a llamarse "Linkin Park", registrándose en la red en Mayo del 2000. ¿El resto? Es historia. 

Y TÚ, ¿CONOCIAS LA HISTORIA REAL DE LA VIDA DE CHESTER EN LA MUSICA? ¿CUAL CREES QUE FUE EL PUNTO MAS IMPORTANTE?

sábado, 14 de octubre de 2023

La broma de Linkin Park a Metallica

Un dato que probablemente desconocías. ¿Sabias que LINKIN PARK es hasta la fecha la única banda que le hizo una broma a Metallica? Conoce la broma de Linkin Park a Metallica en este post y no te pierdas la noticia de Linkin Park que hizo historia con "Numb" y se convierte en el vídeo de rock más visto de YouTube.

La broma de Linkin Park a Metallica

La broma de Linkin Park a Metallica

Todo ocurrió al final de la gira Summer Sanitarium de Metallica, un 10 de Agosto de 2003 en el Candlestick Park, en San Francisco. Como se muestra en el DVD Live In Texas, Lars Ulrich (baterista de Metallica) invadió el escenario de LINKIN PARK durante "From The Inside". Entonces la banda quiso tomar "venganza" de esto. Aunque hoy en día por parte de LINKIN PARK y Metallica esta broma nunca se mostró en video, se conoce la historia y no hace mucho Mike Shinoda contó mas acerca de lo que pasó ese día:

"Al final de la gira, el jefe de seguridad de Metallica era un tipo que solía trabajar para nosotros durante un tiempo. Así que lo conocíamos, y le dijimos: 'Oye, Tom, al final de las giras, muchas veces, la gente se gasta bromas. ¿Crees que podríamos gastarle una broma a Metallica?'. Y él era el seguridad de James Hetfield. Y me dijo: 'Bueno, no sé si lo sabes, pero eso no se ha hecho nunca. Pero creo que puedo solucionarlo'. Y Metallica estaba en medio de…no recuerdo qué canción, pero estaban en medio de una. Y salimos con una manta, una cesta de picnic y cosas. Había una plataforma detrás de ellos. Chester tenía un monopatín. Subimos al centro, sacamos bocadillos y refrescos y empezamos a hacer un picnic en el escenario. Chester estaba literalmente patinando detrás de ellos comiéndose un bocadillo. Los chicos de la banda, creo que Lars Ulrich perdió la cabeza por completo…se dieron cuenta muy rápidamente. Porque nadie sube al escenario con ellos. Así que estaban, como '¿Qué demonios está pasando?' Fue increíble"

lunes, 9 de octubre de 2023

Linkin Park hace historia con "Numb" y se convierte en el vídeo de rock más visto de YouTube

En el mundo de la música, hay momentos que simplemente quedan marcados en la memoria colectiva, y uno de esos momentos acaba de suceder. El vídeo musical de "Numb" de Linkin Park ha superado a "November Rain" de Guns N' Roses para convertirse en el vídeo de rock más visto en la historia de YouTube. ¡Un logro asombroso que demuestra la duradera influencia y popularidad de esta legendaria banda!

¡Linkin Park hace historia con "Numb" y se convierte en el vídeo de rock más visto de YouTube!

¡Linkin Park hace historia con "Numb" y se convierte en el vídeo de rock más visto de YouTube!

Dirigido por DJ Joe Hahn y filmado en varios lugares de la hermosa ciudad de Praga, República Checa, a mediados de junio de 2003, este vídeo musical es un verdadero testimonio de la creatividad y la visión artística de Linkin Park. Es interesante notar que, debido a un diagnóstico de una hernia de hiato en Bennington, la banda tuvo que improvisar y filmar parte del clip en una catedral local de Los Ángeles.

El vídeo de "Numb" no solo es una obra maestra visual, sino que también cuenta una poderosa historia. En él, vemos a una joven interpretada por la talentosa actriz Briana Evigan, quien enfrenta problemas domésticos y sociales, y es en gran medida evitada y ridiculizada por aquellos que la rodean. Esta narrativa profundamente conmovedora resuena con muchos espectadores, lo que contribuyó a su éxito.

Además, el vídeo de "Numb" no pasó desapercibido en su lanzamiento y recibió el reconocimiento que merecía, incluido el premio de "Mejor Video Clip Internacional" en los MTV Video Music Brasil 2004. Esto subraya aún más la importancia cultural y el impacto de la canción y el vídeo en el panorama musical.

La música de Linkin Park ha tocado los corazones de innumerables fans en todo el mundo, y "Numb" es un ejemplo perfecto de por qué su legado perdura. Este logro histórico en YouTube es un tributo al poder duradero de la música y la creatividad de esta banda inigualable.

Así que, si aún no has tenido la oportunidad de disfrutar de este increíble vídeo musical, ¡te animamos a que lo hagas! Revive la historia y la emoción de "Numb" de Linkin Park, y únete a la celebración de este logro impresionante en la historia del rock. ¡Larga vida a Linkin Park y su música atemporal!  

Si te gusta Linkin Park, no te pierdas el post de cómo hubiera sido el octavo álbum de Linkin Park según la IA.

Video : Linkin Park - Numb


lunes, 2 de octubre de 2023

A 3 años del estreno de Levitating de Dua Lipa

Hace 3 años, Dua Lipa estrenaba el smash-hit "Levitating" con DaBaby como quinto sencillo de "Future Nostalgia"... Estos son los números y récords que dejó.

Si te gustó este post te invitamos a leer los datos de los 15 años de Womanizer de Britney Spears.

A 3 años del estreno de Levitating de Dua Lipa

A 3 años del estreno de Levitating de Dua Lipa

— El tema electro-disco, pop-dance y pop-funk recuerda la producción disco de los 1990s y fue compuesto por la misma Lipa y Sarah Hudson sobre el sentimiento de levitar cuando se enamora. Se convirtió en el éxito más importante de la década por una artista femenina. 

— Recibió amplia aclamación por la crítica profesional quienes elogiaron su producción disco e inteligente composición, destacada como una de las canciones estelares del álbum.

— Nombrada como una de las mejores canciones del 2020/2021 por Billboard, Cosmopolitan, Los Angeles Times, Insider, USA TODAY, Slant Magazine y más. 

 — "Levitating" fue promocionado con dos videos musicales de sus respectivos remixes (The Blessed Madonna, Madonna y Missy Elliott; DaBaby, respectivamente). Este último giró en torno a mucha controversia debido a comentarios homofóbicos por parte del rapero, haciendo que el remix fuera desacreditado en la mayoría de los listados.

— #2 en Billboard Hot 100. Sostiene el récord como la canción por una artista femenina con más semanas dentro del top 10 en la historia (41) y la canción femenina más lóngeva en la historia del listado (77 semanas dentro).

— #5 en UK Singles Chart (Official UK Charts). Este fue el cuarto hit top 10 del álbum y sostiene el récord como la canción por una artista femenina más lóngeva esta década con 96 semanas dentro. 

— #1 en 4 países y top 10 en 22 en total. 

— #1 en el Billboard Hot 100 Year-End Chart 2021.

— #32 en el Billboard Hot 100 All-Time Chart.

— Coronada como la canción femenina más grande del siglo XXI en el Billboard Hot 100.

— Ganó 'Top Radio Song' en los Billboard Music Awards.

— Nominado a dos MTV Video Music Awards. 

— Certificado Diamante en Canadá, Brasil, Francia y Polonia.  

— Certificado 4x Platino por The (RIAA) en Estados Unidos (elegible Diamante), siendo su canción más vendida en el país.

— Certificado 3x Platino en Reino Unido (the bpi). 

— 28 millones de unidades vendidas a nivel mundial, siendo la canción por una artista femenina más vendida de la década hasta el momento.

— 4.5 mil millones de streams globales (versiones combinadas).

Video : Levitating de Dua Lipa

domingo, 1 de octubre de 2023

Feliz Día Internacional de la Música

¿Alguna vez te has preguntado por qué el 1 de octubre se celebra el Día Internacional de la Música? Si eres un amante de la música o simplemente sientes curiosidad por las fechas especiales, estás en el lugar correcto. En este artículo, exploraremos el origen, la historia y el propósito detrás de esta festividad que une a personas de todo el mundo en una celebración única. ¡Sigue leyendo para descubrir más y conoce también cuándo es el Día Internacional del Rock!

Feliz Día Internacional de la Música

Origen del Día Internacional de la Música

El Día Internacional de la Música es una celebración que ha tomado fuerza en todo el mundo, pero ¿de dónde proviene esta iniciativa? Para entenderlo, tenemos que remontarnos a la década de 1970. Fue en 1975 cuando la UNESCO, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, decidió establecer el 1 de octubre como el Día Internacional de la Música. El propósito principal era promover la importancia de la música en la vida de las personas y en la cultura en general.

Historia de la Celebración

La historia de esta celebración se conecta con la Fédération Internationale des Sociétés Musicales (FISM), que es la Federación Internacional de Sociedades Musicales. La FISM fue fundada en 1949, y su objetivo era unir a músicos y amantes de la música de todo el mundo. Fue esta organización la que propuso la idea de un Día Internacional de la Música a la UNESCO.

El 1 de octubre se eligió en honor al día en que la FISM se fundó oficialmente. Desde entonces, la celebración ha crecido en alcance y significado, convirtiéndose en una oportunidad para que personas de diferentes culturas y países se unan a través de la música.

Propósito del Día Internacional de la Música

Entonces, ¿cuál es el propósito de esta celebración? ¿Para qué sirve el día de la música? El Día Internacional de la Música tiene varios objetivos importantes:

  • Promover la paz y la amistad a través de la música: La música tiene el poder de unir a las personas y superar barreras culturales y lingüísticas. Este día busca fomentar la comprensión y la cooperación entre diferentes comunidades a nivel global.
  • Celebrar la diversidad musical: La música es una forma de expresión cultural única en cada parte del mundo. Este día nos recuerda la riqueza de la diversidad musical y la importancia de preservar y celebrar tradiciones musicales únicas.
  • Fomentar la educación musical: La UNESCO utiliza este día para destacar la importancia de la educación musical y su contribución al desarrollo personal y cultural. Se promueve la idea de que la música es esencial en la educación de los jóvenes.
  • Apoyar a los músicos y creadores de música: El Día Internacional de la Música es una ocasión para reconocer y apoyar a los músicos y compositores que enriquecen nuestras vidas con su talento. También se destaca la importancia de proteger los derechos de autor y la propiedad intelectual en la industria musical.

Conclusión

En conclusión, el Día Internacional de la Música, celebrado el 1 de octubre, es una fecha especial que nos invita a reflexionar sobre el impacto y la belleza de la música en nuestras vidas. Su origen se encuentra en la iniciativa de la UNESCO y la FISM de promover la música como un elemento fundamental de la cultura y la convivencia global. Su propósito abarca desde la promoción de la paz hasta el apoyo a los músicos y la celebración de la diversidad musical. En última instancia, esta celebración nos recuerda que la música es un lenguaje universal que puede unir a personas de todos los rincones del mundo. ¡Así que, en este Día Internacional de la Música, celebremos juntos la magia de la música que nos une a todos!

viernes, 29 de septiembre de 2023

Nuevo libro de Nirvana revela la razón por la que Kurt Cobain estaba celoso de Dave Grohl

Nuevo libro de Nirvana revela la razón por la que Kurt Cobain estaba celoso de Dave Grohl

A 30 años desde el lanzamiento de In Utero, el último disco de Nirvana, un nuevo libro explorará la relación de los miembros de la banda. Se trata de una nueva versión de Come As You Are: The Story of Nirvana, libro de Michael Azerrad que contó la historia de la banda en ese entonces.

Tres décadas después, el escritor sacará una nueva versión de esta publicación e incluirá historia nunca antes contadas del grupo. Por ejemplo, la razón por la que Kurt Cobain sentía celos de Dave Grohl mientras trabajaban juntos. 

En el podcast Rolling Stone Music Now, el escritor Michael Azerrad habló sobre la nueva edición de su libro sobre Nirvana. Específicamente, habló sobre la relación que tenían Kurt Cobain y Dave Grohl, comentando que el primero tenía celos de su compañero de banda.

Al parecer, el líder y vocalista de la banda tenía celos de la vida tranquila que Grohl llevaba, especialmente comparándola con la de él. De hecho, afirma que constantemente lo molestaba por ser un "tipo bueno", porque envidiaba esa tranquilidad.

"Creo que Kurt se burlaba de Dave por ser organizado y normal. Él era un tipo popular y bien adaptado. Creo que Kurt se burlaba de eso porque él no era un alocado como Kurt. Y también tenía celos", afirmó el autor del libro biográfico.

"Kurt estaba un poco celoso de Dave porque Dave estaba organizado", continuó sobre la relación de Kurt Cobain y Grohl. Después de todo, el también líder de Foo Fighters siempre ha sido conocido por ser el "chico bueno del rock". 

En la misma entrevista, el autor revela que Kurt Cobain estaba pensando en su carrera como solista y fuera de Nirvana. Según señala, el músico habló con su mánager para conocer su opinión sobre si necesitaba o no a la banda. 

"No, no los necesitas. Tampoco necesitas escoger. Puedes hacer ambos", habría sido la respuesta de su manager.

Si te gustó este post no te pierdas el artículo que explica cómo John Lennon “convenció” a Kurt Cobain para grabar las voces de “Come As You Are”.

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